ONTOLOGÌA DEL ARTE
Estos conceptos son tomados de PAULO VÉLEZ LEÓN "Aproximaciones a la Ontología del Arte".
En este panorama, del Centro Nacional de Investigación en Ontología de los Estados Unidos (NCOR), dirigido por el Prof. Barry Smith de la Universidad de Buffalo, ha realizado grandes progresos y alianzas en el área; el NCOR plantea que al menos existirían tres tipos de ontología: Aproximaciones a la Ontología del Arte 4
1) ONTOLOGÍA FILOSÓFICA: le concierne el estudio de lo que es, de las clases y estructuras de los objetos, las propiedades, los acontecimientos, los procesos, y las relaciones en cada área de la realidad.
2) ONTOLOGÍA DE DOMINIO: Es una representación de las cosas que existe dentro de un dominio particular de la realidad como la geografía, la medicina, las artes, la leyes, etc. en oposición a la ontología filosófica, que tiene toda la realidad como su campo de acción. Una ontología de dominio tiene un vocabulario controlado, estructurado para poder anotar y detallar la información que debe ser investigada con amplitud por humanos y procesable por sistemas informáticos. La ontología de domino se beneficia de la investigación proveniente de la ontología formal, lo cual asiste en hacer posible la comunicación entre y por medio de las ontologías para la provisión de un lenguaje común y una estructura (mapa) formal común para razonar.
3) ONTOLOGÍA FORMAL: Es una disciplina que ayuda a hacer posible la comunicación por medio de y entre ontologías de dominio para la provisión de un lenguaje común y una estructura (mapa) formal común para razonar. Esta comunicación es posible llevarla a cabo (al menos) mediante la adopción de un conjunto de categorías básicas de objetos, el discernimiento de que clases de entidades caen dentro de cada una de las categorías de objetos, y determinando que relaciones tienen aplicación dentro de y por medio de diferentes categorías en la ontología de dominio. La ontología formal toma para si la lógica y metodología de la ontología filosófica. La ontología formal esta siendo aplicada en campos como la bio-informática, análisis de inteligencia, ciencia administrativa, entre otros campos científicos y comerciales, donde sirve de base para el mejoramiento de la clasificación, de la organización de la información y del razonamiento automático.
¿CÓMO SE EXPRESA EN EL ARTE SU ESTADO DE
CONCIENCIA?
El estado de conciencia se puede expresar en el arte de varias maneras, dependiendo del medio y del enfoque del artista. Por ejemplo, en el surrealismo. busca explorar el subconsciente, los sueños y la percepción alterada de la realidad. Por ejemplo, artistas como Salvador Dalí y René Margritte utilizan imágenes oníricas y escenas ilógicas para representar estados alterados de conciencia. Estos autores los traigo a colación ya que me inspiran y en lo personal me estremecen en cada pintura, abriendo paso en mis pensamientos a discernir mis mundos utópicos; brindando puertas a mundos surrealista.
Está obra me hace sentir el paso del tiempo y la conciencia de la madurez, siendo sobria en sus colores, evoca un poco la soledad del ser para llegar a un estado de conocimiento propio y de su ambiente.
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Como esta artista puede al igual que Dalí ofrecer en pinceladas de colores tierra, la fuerza de la ceguera en el acompañamiento de otro ser. tanto es así, que me brinda tantas ideas acerca del amor, la conciencia del amor propio, el despertar de los estigmas que nos ofrece el mundo cotidiano.
En el expresionismo los artistas transmiten emociones intensas y subjetivas, a menudo relacionadas con estados internos de ansiedad, euforia o angustia. Por ejemplo, las obras de artistas como Edvard Münch o Egon Schiele reflejan la turbulencia emocional y los estados psicológicos complejos.
Carlos Fuentes afirmaba que:
“La visión del arte es la mirada inconclusa, la historia pasajeramente narrada. (…) El problema del espectador no es sino las infinitas maneras de ver y de contar el material. (…) La historia del arte es inseparable de la historia de sus prohibiciones. Pero las decisiones más hieráticas y autoritarias sobre qué es real y qué no lo es, qué puede ser visto y qué no debe serlo (…) no han conseguido imponer una manera totalmente cerrada de ver."
Pienso que en la naturaleza del arte juega un papel importante la creatividad, manifestándose en la elección de los medios, técnicas y temáticas. La estética siento que relaciona la percepción de la belleza y lo sublime, llegando a un punto no solo técnico sino también relacionado con lo emocional y filosófico. Además, en el arte los artistas imprimen su intencionalidad que puede variar desde el sentir, lo social y político; teniendo un mensaje al crear y una intencionalidad. Las obras de arte influyen en ellas lo temporal y el contexto social en el que el artista está inmerso, alterando su significado y la interpretación que el observador puede dar o sentir de la misma.
El artista desempeña un papel crucial en la sociedad, ya que es el mediador entre la realidad y la expresión creativa, Siendo la creatividad el motor del arte. Este proceso no solo implica la creación de obras visuales, literarias o musicales, sino también la capacidad de innovar y proponer nuevas ideas. Los artistas, a través de su imaginación, logran transformar el entorno, abordando aspectos tanto personales como universales. Cada obra es un reflejo de su mundo interno y de su visión única, lo que la convierte en una manifestación genuina de la experiencia humana.
El arte tiene un poderoso efecto en nuestras emociones. Las obras pueden evocar una amplia variedad de sentimientos, desde la alegría y la nostalgia hasta la tristeza y la ira. A menudo, los artistas utilizan colores, formas y composiciones específicas para inducir estas respuestas. Este impacto emocional es fundamental, ya que permite que el arte trascienda la mera representación y se convierta en un medio de comunicación profundo que conecta al artista con el espectador, creando un diálogo que puede ser revelador y transformador.
El arte, en su esencia, busca trascender la realidad cotidiana y ofrecer una perspectiva única sobre el mundo. La relación entre arte y realidad es compleja; mientras que el arte puede reflejar la vida tal como es, también puede presentar una versión idealizada o distorsionada de esta. A través de diferentes técnicas y estilos, los artistas tienen la capacidad de explorar y reinterpretar la realidad, creando así una conexión íntima entre su obra y la percepción del espectador.
El arte actúa como un medio para plantear preguntas profundas sobre la existencia humana y la condición social. En este sentido, puede convertirse en una herramienta poderosa en la búsqueda de la verdad. Al abordar temas como la justicia, la identidad y la espiritualidad, el arte nos invita a reflexionar sobre nuestras propias creencias y experiencias. Así, el arte no solo narra historias, sino que nos confronta con las verdades más profundas de la vida, ofreciendo una vía para explorar y comprender nuestra realidad de manera más profunda.
En la subjetividad del arte, lo que puede ser percibido como arte para unos no puede serlo para otros observadores, influyendo en lo que esta creado las experiencias y sensaciones desde el artista como el espectador, mostrando la profundidad de la experiencia humana. Así a través de distintas formas artísticas, se pueden explorar y cuestionar conceptos de verdad, belleza y existencia.
¿CÓMO SE
ORIGINA EL ARTE?
El arte es una manifestación intrínseca de la naturaleza humana, un lenguaje universal que trasciende fronteras y culturas. Desde tiempos inmemoriales, el ser humano ha sentido la necesidad de expresarse, reflejando sus pensamientos, emociones y experiencias a través de diferentes formas artísticas. La creación artística no surge de la nada; se origina en un contexto social, histórico y cultural que influye en la manera en que los artistas perciben y representan su realidad.
A lo largo de la historia, el arte ha
evolucionado, adaptándose a los cambios en la sociedad y respondiendo a las
inquietudes del momento. En esté Blogger exploró cómo el arte se origina, destacando sus raíces
históricas, el impacto de la cultura y el proceso creativo que llevan a cabo
los artistas. Buscando entender no solo el "cómo", sino también el
"por qué" detrás de esta fascinante expresión humana y en la cual me
he desarrollado y crecido no solo en lo personal sino también en lo
profesional.
El arte al ser una manifestación humana que busca expresar
ideas, emociones y experiencias a través de diferentes medios y formas, podría definirla por mi sentir como una creación
estética, cuya finalidad es provocar una reacción o reflexión en quien lo
contempla. Esta expresión puede adoptar variadas formas, incluyendo la pintura,
la escultura, la música, la danza, el teatro y la literatura, entre otras.
El arte se caracteriza por su capacidad de comunicar sensaciones y pensamientos de manera única, utilizando elementos como el color, la forma, la textura y el sonido. Asimismo, la interpretación del arte puede variar considerablemente entre diferentes culturas y períodos históricos, lo que lo convierte en un reflejo de la evolución del pensamiento y la sociedad. Por lo tanto, el arte no solo es una forma de expresión individual, sino también un espejo de la humanidad y su historia.
El arte tiene sus raíces en los inicios de la
humanidad, donde la expresión creativa surgió como una necesidad fundamental.
En el arte prehistórico, que abarca periodos como el Paleolítico y el Neolítico, se manifiesta a través de pinturas rupestres, esculturas en piedra y arte mobiliar. Estas obras, muchas de las cuales se hallan en cuevas, reflejan las creencias, rituales y la vida cotidiana de nuestros ancestros. Las figuras representadas, como los bisontes y formas humanas, sugieren un intento de conectar con lo espiritual y lo natural.
A medida que las civilizaciones comenzaron a formarse, como en Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma, el arte adquirió un enfoque más estructurado y simbólico. Las obras estaban destinadas no solo a la representación estética, sino al reflejo del poder religioso y político. La arquitectura monumental, las esculturas de dioses y las pinturas murales en templos se convirtieron en un medio para comunicar la grandeza y la aspiración de estas sociedades.
La cultura desempeña un papel fundamental en la creación artística, ya que influye directamente en las expresiones, temas y estilos de los artistas. Las influencias culturales pueden manifestarse a través de diversas fuentes, como la historia, la religión, la política y las tradiciones locales. Estas dimensiones proporcionan un marco dentro del cual los artistas desarrollan su trabajo, a menudo reflejando o desafiando las normas establecidas.
Las culturas están interconectadas y, a menudo, los artistas se inspirarán en movimientos previos o contemporáneos. Estas influencias pueden resultar en la fusión de estilos y en la innovación de nuevas técnicas. El arte también actúa como un espejo de la sociedad, reflejando sus valores, preocupaciones y cambios. Además, puede servir como una herramienta de crítica o reivindicación social, impulsando el diálogo y promoviendo el entendimiento entre diferentes grupos culturales.
El proceso creativo del artista es una mezcla
intricada entre la inspiración y la técnica. La inspiración puede surgir de
diversas fuentes: la naturaleza, experiencias personales, o incluso de obras de
otros artistas. Esta chispa inicial es fundamental, pero debe ser complementada
con habilidades técnicas que permiten plasmar la idea en un medio concreto, ya
sea pintura, danza, escultura o música entre otras. El arte al ser una
manifestación esencial del ser humano, surge de la interacción entre la cultura, la
historia y la creatividad individual. A lo largo de los siglos, hemos visto
cómo las diversas expresiones artísticas han reflejado y moldeado la identidad
de sociedades enteras. Desde las pinturas rupestres de nuestros antepasados
hasta las obras contemporáneas, el arte se ha originado como un medio de
comunicación fundamental para expresar pensamientos, emociones y experiencias.
La expresión personal es un componente crucial del arte, ya que permite al creador comunicar sus emociones y perspectivas únicas. Cada obra puede reflejar un estado de ánimo, una experiencia vivida o una critique de la sociedad. Por lo tanto, el arte se convierte en un vehículo de expresión emocional, capaz de conectar con las vivencias del espectador y provocar respuestas profundas. En suma, el proceso creativo del artista es un viaje complejo que combina técnica, emoción e inspiración.
El arte ha evolucionado considerablemente a lo
largo de la historia, reflejando los cambios culturales, sociales y
tecnológicos de cada época.
Durante el Renacimiento, que se desarrolló
entre los siglos XIV y XVI, se produjo un resurgir del interés por la cultura
clásica grecorromana. Artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel exploraron
la perspectiva, la anatomía y la belleza ideal, dando lugar a obras maestras
que enfatizaban la humanidad y la naturaleza. Este periodo marcó el inicio de
una nueva forma de expresión artística que buscaba la perfección en la
representación.
El arte moderno, que comenzó a finales del siglo XIX, rompió con las tradiciones previas. Movimientos como el impresionismo, el cubismo y el surrealismo la libertad creativa, con artistas como Picasso y Dalí explorando nuevas narrativas visuales y técnicas. Este período refleja la complejidad y experimentación que caracterizan al mundo contemporáneo.
Es importante reconocer que el arte no se limita a una definición rígida; evoluciona con el tiempo y se ve influenciado por factores sociales, políticos y culturales. Así, cada obra se convierte en un legado que abarca no solo la visión del artista, sino también el contexto en el que fue creada. Por ende, el arte no solo enriquece nuestras vidas, sino que también nos permite entender nuestro pasado y confrontar nuestro futuro.
¿CUÁL ES SU DIALÉCTICA?
La dialéctica en el arte se refiere a la interacción y
oposición de ideas, conceptos o formas que se manifiestan en el proceso
creativo y en la interpretación de las obras. Este término, derivado de la
filosofía, implica un diálogo entre contrarios que pueden llevar a nuevas
comprensiones y significados.
En el contexto artístico se puede presentar de varias formas. La dialéctica puede manifestarse en la tensión entre diferentes elementos de una obra, como la forma y el contenido, la tradición y la innovación o la luz y la sombra. Esta tensión puede generar un dinamismo que invita a la reflexión y el análisis. En la historia del arte, diferentes movimientos han surgido en respuesta a otros, creando un diálogo entre estilos y enfoques. Por ejemplo, el arte moderno se desarrolló como una reacción a las convenciones del arte clásico. La dialéctica también puede explorar la contradicción inherente en las experiencias humanas, como la vida y la muerte, la belleza y la fealdad, lo efímero y lo eterno.
Los artistas utilizan estas dicotomías para enriquecer su trabajo y provocar un diálogo con el espectador. La dialéctica se extiende a la relación entre la obra de arte y el espectador, quienes interpretan y reinterpretan símbolos y significados según sus propias experiencias y contextos.
La corporeidad en el arte se refiere a la representación y exploración del cuerpo humano como un tema central o elemento significativo en las obras artísticas. Esta concepción abarca tanto la forma física del cuerpo como sus expresiones, movimientos y la manera en que se interactúa con el espacio y otros cuerpos. En el arte, la corporeidad puede manifestarse a través de diversas técnicas y medios. Incluidas la pintura, la escultura, la fotografía, la danza y las artes escénicas, entre otras. A través del tiempo, los artistas han explorado la corporeidad para abordar una variedad de temas como la identidad, el género, la sexualidad, la vulnerabilidad y la relación entre el cuerpo y la mente. En muchas obras contemporáneas, la corporeidad se utiliza para cuestionar normas sociales y para ofrecer nuevas perspectivas sobre la experiencia humana.
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